In un panorama di musica elettronica in costante evoluzione, Enrico Sangiuliano continua a distinguersi per una qualità diventata sempre più rara: la coerenza. Ogni set è il risultato di una ricerca meticolosa, ogni produzione aggiunge un tassello a un percorso artistico costruito senza compromessi. Lo ha dimostrato ancora una volta al Tomorrowland Belgium 2026 (leggi il nostro recap), dove ha messo in scena una delle performance techno più forti del secondo weekend sull’iconico Freedom Stage.
Poco dopo essere sceso dal palco, ci siamo seduti con Enrico per parlare della sua visione artistica attuale, della filosofia dietro i suoi progetti e di come vede evolvere il futuro della musica elettronica.
yB: Ciao Enrico, grazie per aver trovato il tempo di parlare con noi. Sei appena sceso dal Freedom Stage, uno dei palchi più immersivi e tecnologicamente avanzati di Tomorrowland—un enorme ambiente tipo warehouse. La tua ultima apparizione al festival risaliva al 2023, all’Atmosphere Stage. Che sensazioni ti ha lasciato questa performance e come vedi l’evoluzione di Tomorrowland, sia in termini di pubblico sia di sviluppo tecnologico?
Enrico: Il Freedom Stage mi ha colpito subito perché sembra davvero un club. In un club hai molto più spazio per portare le persone nel tuo viaggio. Anche all’interno di un festival con così tanti palchi diversi, essere in un ambiente compatto come quello può essere incredibilmente gratificante, ed è esattamente quello che è successo oggi.
Ho notato che il palco era pieno dall’inizio alla fine, senza troppo ricambio nella folla. Mi è sembrato davvero che il mio pubblico sia rimasto lì per tutto il set. È molto più una dinamica da club che da festival, e vedere questa cosa dentro Tomorrowland è stato estremamente soddisfacente. Ai festival spesso vedi un pubblico più “casual” che si sposta da un palco all’altro, a volte andando via appena suoni qualcosa di meno familiare. Oggi non è stato così. Dal punto di vista del DJ e della performance, è stata una grandissima soddisfazione.
yB: Mentre ascoltavo il tuo set, una cosa che mi ha colpito molto sono stati i visual. Erano stati creati apposta per la performance di oggi o adattati da progetti precedenti?
Enrico: No, non esistevano prima di oggi. Sono stati sviluppati appositamente dopo aver studiato cosa si potesse ottenere su questo palco specifico. Non avevo inviato nessuna playlist in anticipo—onestamente non sapevo cosa avrei suonato fino all’ultimo secondo. Quindi quello che è successo oggi è stata una performance VJ e una performance DJ che hanno lavorato insieme in tempo reale.
yB: Quest’estate hai introdotto diversi nuovi concept e formati di performance. Abbiamo visto Journey of Sound alla Triennale di Milano questa primavera, poi di nuovo al Kappa FuturFestival qualche settimana fa. Al Kappa hai anche presentato il tuo set Archivio.
Puoi raccontarci le idee dietro questi progetti? E ti vedi svilupparli ulteriormente nei prossimi mesi o anni?
Enrico: L’idea dietro Journey of Sound è esibirsi in uno spazio che permetta sia tempo sia attenzione. Per attenzione intendo dare alle persone l’opportunità di ascoltare davvero—di concentrarsi sui dettagli e immergersi in ciò che un DJ può creare oltre al semplice “mettere dischi”, quasi come scolpire un paesaggio sonoro. Alla Triennale avevamo un impianto audio incredibile, progettato appositamente per quella sala, quindi ho potuto esprimere un livello di dettaglio straordinario. Sembrava quasi di essere al cinema.
Poi abbiamo portato quel concept al Kappa FuturFestival, aprendo il Main Stage con un’esperienza completamente diversa da un classico opening set. È iniziato con musica ambient e senza beat, per poi passare gradualmente a 80 e poi 100 BPM. È diventato un viaggio. Era domenica, quindi in un certo senso sembrava un reset—un modo per iniziare l’ultimo giorno del festival con una mentalità diversa. Era anche il mio terzo set in tre giorni, e volevo incoraggiare le persone ad abbracciare musica che probabilmente non si aspetterebbero di sentire a un festival.
Archivio, invece, è stato un progetto di ricerca profonda sui dischi che hanno contribuito a formare la nostra cultura dance—techno, progressive, trance… all’epoca non pensavamo nemmeno in termini di generi. Era tutto parte di ciò che chiamavamo semplicemente club culture, soprattutto in Italia negli anni ’90. Quello è stato il primo dei tre set che ho suonato chiudendo il Cosmo Stage. Non avevo mai visto quel palco così pieno. È stato incredibile. Mi aspettavo che fosse qualcosa di speciale perché quei dischi significano tantissimo per me a livello personale, ma non avrei mai immaginato che il pubblico avrebbe reagito in quel modo. Era tutto strapieno, l’energia era pazzesca, e vedevo persone che avevano davvero vissuto quell’epoca guardarsi intorno incredule per quello che stavano ascoltando.
Allo stesso tempo, vedevo le generazioni più giovani scoprire questa musica per la prima volta—riconoscere suoni che in alcuni casi sembrano ancora contemporanei, in altri nostalgici, tutti mescolati in qualcosa di ipnotico e trascinante. È stata un’esperienza bellissima. Sia Journey of Sound sia Archivio hanno sicuramente il potenziale per continuare a evolversi in futuro.
yB: Vorrei tornare a un’intervista che hai fatto circa otto anni fa, in cui parlavi di come ti sei appassionato alla musica e di come hai iniziato a studiare sound design. Da allora sono cambiate tante cose—compresa una pandemia globale—e la scena della musica elettronica oggi è molto diversa.
Che consiglio daresti a un giovane che sta scoprendo la musica elettronica e vuole iniziare a produrre e sviluppare il proprio suono?
Enrico: Il mio consiglio più grande è semplice: divertiti. È la cosa più importante. Lasciati guidare dalla tua curiosità naturale e dall’attrazione verso la musica. È così che nasce una passione autentica. Quando quella passione è reale, non hai bisogno di inseguire niente.
Non devi ossessionarti con il successo o con l’idea di “sfondare”. Quello che conta davvero è godersi il processo—studiare, fare pratica, sperimentare—senza fissarsi continuamente su un obiettivo finale o confrontarsi con il DJ che chiuderà Tomorrowland stasera. Nel momento in cui lo fai, perdi di vista il presente. Condividi la tua musica, divertiti, e fallo perché lo ami davvero. La musica parlerà da sola. Farai errori, ed è fondamentale. All’inizio è tutto apprendimento e sperimentazione finché, col tempo, sviluppi finalmente una tua identità sonora. Ci vuole tempo.
yB: Hai recentemente chiuso il capitolo NINETOZERO. Come ti senti adesso? E guardando avanti, quale pensi sarà il prossimo passo della tua visione artistica nei prossimi anni?
Enrico: NINETOZERO si è appena concluso. È stato un viaggio creativo di tre anni, seguito da quattro anni di release ed eventi. In questo momento, mi sembra di essere arrivato alla fine di un grande lavoro.
Mi sento incredibilmente soddisfatto. Sento di aver dato tanto, ma di aver ricevuto tanto in cambio. Soprattutto, sono grato per l’opportunità che ho avuto. Gestire un’etichetta indipendente mi ha permesso di esprimermi liberamente, pubblicando un numero limitato di progetti curati con attenzione, senza dover chiedere permesso a nessuno. Questa libertà ha creato un legame fortissimo con la community di NINETOZERO.
Si è sviluppato un vero dialogo. Ogni volta che incontro fan di NINETOZERO, trovo persone realmente interessate alla musica e ai concetti dietro ogni uscita. Tutta la filosofia di NINETOZERO è sempre stata quella di valorizzare la presenza più della quantità. Tutto cambia. Tutto finisce, che ci piaccia o no. È per questo che il progetto era stato concepito con una fine chiara già integrata nella sua timeline.
Ora che è finito, mi sembra di lasciare andare qualcosa di molto importante. Allo stesso tempo, mi sembra ancora incredibilmente attuale. Sto ancora suonando quei dischi nei miei set, ma personalmente ora sono in una fase ricettiva. Sto ascoltando. Sto assorbendo.
La stessa cosa è successa dopo aver pubblicato il mio album su Drumcode nel 2018. Dopo un periodo così lungo di output creativo, finisci per sentirti vuoto—non in senso negativo, ma perché hai creato spazio dentro di te. E non sai ancora cosa riempirà quello spazio. In realtà è la parte più preziosa: avere spazio per riflettere, ascoltare, assorbire nuove idee.
yB: Restando sul tema della produzione, vorrei parlare di The Techno Code. È diventata una delle tracce più iconiche della scena techno di oggi ed è stata remixata da molti tuoi colleghi. Com’è nata l’idea? E quando l’hai prodotta per la prima volta, avevi la sensazione che potesse diventare un disco così “definitivo”?
Enrico: L’avevo già pianificata come Capitolo Due del countdown: 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1, 0.
Il terzultimo capitolo era Discipline, e volevo esprimere quell’idea attraverso una traccia che potesse guidare l’ascoltatore dentro se stessa—la sua struttura, il motivo per cui esiste e, in ultima analisi, la cultura a cui appartiene. Era il mio modo di definire un insieme di regole non scritte—principi che non vengono necessariamente dichiarati, ma che sono profondamente radicati nella nostra cultura.
The Techno Code è il risultato di quell’idea.
yB: Parlando di tour, rispetto a molti tuoi colleghi—che spesso hanno calendari incredibilmente pieni—hai scelto deliberatamente di suonare meno date. È una decisione personale? Riflette una nuova filosofia più allineata alla direzione che sta prendendo la tua musica?
Enrico: Sì, è una scelta personale molto consapevole. Ho passato molti anni suonando un numero estremamente alto di show, e rendendo il mio calendario più selettivo oggi riesco a concentrare le mie energie in modo molto più efficace. Sento che c’è più “momentum”—sia da parte mia sia da parte del pubblico—perché ogni performance ha uno scopo. Nessuna data è lì solo per riempire un calendario. Inoltre mi dà la libertà di sviluppare progetti come Journey of Sound. Ho più tempo per ascoltare musica, cercare dischi, e persino per avere una vita sociale.
Dal punto di vista musicale, mi permette di entrare molto più a fondo nella mia libreria, dedicare più tempo alla ricerca e creare esperienze davvero uniche. Che ci piaccia o no, se suoni venti show al mese è impossibile dare lo stesso livello di energia e attenzione che puoi dare quando ne suoni sei. Alla fine diventa automatico. Si trasforma in qualcos’altro. A questo punto della mia carriera, sono abbastanza fortunato da poter fare questa scelta, e mi sta portando opportunità davvero entusiasmanti. Sono molto felice di dove mi trovo adesso, e penso che la gente lo veda.
yB: Guardando indietro, avresti voluto prendere questa decisione prima?
Enrico: No. Ho vissuto ogni fase della mia carriera nel modo più naturale possibile. Prima del COVID, avevo appena pubblicato il mio album su Drumcode, quindi quel periodo era interamente focalizzato sul touring.
Dopo la pandemia, tutto è diventato caotico. C’erano date rimandate mescolate a nuove prenotazioni, e il calendario è diventato quasi impossibile da gestire bene. Ora sono arrivato a una fase diversa, in cui posso esprimere le mie capacità da DJ in modi nuovi. C’è molto più lavoro dietro ogni performance, e molto meno autopilot. Non si tratta più di fare la stessa cosa in venti posti diversi. Ogni show viene affrontato in modo diverso, e questo porta un senso di realizzazione molto più grande. Penso che si veda anche quando sono dietro ai deck—non solo musicalmente, ma anche fisicamente.
yB: Rispetto a molti tuoi colleghi, oggi era chiaro che ti stavi davvero divertendo dietro ai deck. Al Kappa non l’ho notato allo stesso modo, forse perché avevi il closing set, l’opening della domenica e ovviamente il B2B con Armin van Buuren. Ma oggi sembrava davvero che ti stessi divertendo tantissimo.
Enrico: Mi sono divertito tantissimo con Archivio, anche se dovevo restare estremamente concentrato.
Molti di quei dischi degli anni ’90 non erano pensati per essere mixati insieme per tre minuti. All’epoca molti DJ usavano transizioni molto più rapide in entrata e in uscita, mentre io stavo cercando di costruire ponti lunghi e ipnotici tra dischi completamente diversi. Quindi ero molto concentrato, assicurandomi che tutto scorresse esattamente come volevo, e allo stesso tempo assorbivo l’energia incredibile della folla. Mi sono davvero divertito un sacco. Era la primissima volta che portavo Archivio dal vivo, quindi era anche una vera sfida. Il B2B con Armin è stata un’altra prima volta per me, ed è stato completamente improvvisato.
Il livello di soddisfazione è stato incredibile, anche perché non lo stavo vivendo da solo. C’era un vero senso di condivisione, ed è stato affascinante vedere dove siamo riusciti a portarci a vicenda musicalmente. Il fatto che tutto sia successo in modo così naturale—che fosse tutto nel momento—non mi aspettavo che venisse fuori così bene. Mi ha sorpreso nel modo migliore.
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Ringraziamo Enrico Sangiuliano, il suo team e il Press Team di Tomorrowland per aver reso possibile questa intervista.
